DESDE EL COMIENZO DE LA HISTORIA DEL ARTE

A lo largo de la historia, el arte y la pintura, en particular, las diversas manifestaciones han dejado una gran variedad de estilos. Cada uno de ellos se expresa en diferentes épocas. En esta página, usted descubrirá los diferentes estilos de la pintura expresadas por los pintores más reconocidos de la humanidad. La pintura como expresión humana siempre sobresalió en la escultura, la artesanía, la poesía, etc..

La historia del arte, que data casi desde el principio de la humanidad, casi desde el momento en que el hombre apareció en la Tierra. Esto comenzó como una forma de comunicación entre los hombres de las cavernas, para expresar un sentimiento o idea. A medida que el paso de los siglos, el arte ha evolucionado tanto en técnica y estética:

"Del latín "ars" (capacidad de hacer algo), se entiende como el arte, todas aquellas manifestaciones de la creatividad humana, en la que el artista expresa sus sentimientos y sensaciones que hacen que sea posible establecer una forma de comunicación visual con el observador..

El arte ha proporcionado con éxito la máxima expresión como seres humanos

Los egipcios hicieron uso de la pintura desde la edad de predinastía, no sólo para un mayor realismo y belleza, pero al darse cuenta de la naturaleza simbólica de los temas representados en su mayor decorar las paredes de los templos y cámaras funerarias con relieves y estatuas, coloreando momias y ataúdes, y embelleciendo rollos de papiro, ollas y utensilios

"Los egipcios pintaban el bajo relieve, que, por su escasa profundidad, favoreciendo la identificación con la escultura y el arte pictórico. Desde la dinastía III la pintura en las paredes de las tumbas sustituye al bajorrelieve."

Con su máxima expresión en el tramo final del siglo XIX, la abstracción se puede clasificar como una confluencia de movimientos que dominaron la primera parte del siglo XX, el Fauvismo, el Cubismo, Futurismo, Pintura Metafísica, Expresionismo, y el dadaísmo. Todas estas corrientes, y la radicalización propuesta por pintores como Cézanne, Van Gogh y Gauguin, reformuló la escena".

ARTE ABSTRACTO

El arte abstracto usa un lenguaje visual de la forma, color y línea para crear una composición que puede existir con un grado de independencia de referencias visuales en el mundo. Hay muchos estilos diferentes abstracta. Hay tres formas de abstracción que realmente se destaca: el cubismo, el neoplasticismo, y el expresionismo abstracto.

Hay muchos artistas abstractos que pintó en estos estilos, sin embargo hay algunos que son más bien conocido en un campo particular que el resto. Por ejemplo, el algunos de los más famosos fueron cubista Pablo Picasso y Georges Braque. Uno de los mejores ejemplos del neoplasticismo de Piet Mondrian es. Dos de los ejemplos más famosos del expresionismo abstracto son Mark Rothko y Jackson Pollock...

EXPRESIONISMO

El expresionismo se desarrolló durante finales del siglo 19 y principios del 20o. Expresionista se opone a las normas académicas que habían prevalecido en Europa e hizo hincapié en la emoción subjetiva del artista, que prevalece sobre la fidelidad a la apariencia real de las cosas.

Originario de Alemania, el expresionismo abarca todo el arte en el que el artista es libre de ir más allá de las limitaciones de la materia objetiva y para concentrarse en el sentir y el impacto derivado de la inspiración del artista. Expresionista querido revelar interior, espiritual y emocional de las fundaciones de la existencia humana, en lugar de lo externo, las apariencias representada por los impresionistas. El movimiento expresionista se ha inspirado en el simbolismo, el fauvismo, el cubismo y en su salida de la materia precisa. Expresionismo encontró sus raíces en dos grupos de pintores alemanes, Die Brücke y Der Blaue Reiter.

Die Bruecke, que significa "el puente" se centró en Dresde e incluyó a artistas Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Emil Nolde, Max Pechstein, Otto Mueller, y Karl Schmidt-Rottluff. El grupo celebró la formación de 1905 a 1913. El grupo instalará sus estudios en un barrio de clase trabajadora en el borde de los límites de Dresde. Su aislamiento llevaron a su desarrollo compartido estilísticas y temáticas. Muere el arte Brücke fue típicamente violenta y emocional en sus imágenes. Se favoreció temas que exploró la relación entre la diferencia de la ciudad y el país. Encontrar algo de su inspiración en el arte de las culturas tribales de África y los mares del Sur, Die Brücke favorecida distorsionada líneas y formas mejoradas, colores vibrantes, y arrasaron la perspectiva. Rechazaron los procedimientos convencionales de galería y organizó una serie de exposiciones itinerantes con el fin de presentar sus trabajos al público. El grupo se desintegró debido a diferencias artísticas y el comienzo de la Primera Guerra Mundial Tras su separación, los sucesores del grupo llamaban a sí mismos la Sezession Dresdner.

FORMALISMO

En la teoría del arte, el formalismo es el concepto que el valor artístico de una obra está totalmente determinado por su forma - la forma en que se hace, de sus aspectos puramente visuales, y su medio. Hace hincapié en el formalismo elementos compositivos como el color, línea, forma y textura en lugar de realismo, el contexto y contenido. En el arte visual, el formalismo es un concepto que postula que todo lo necesario para comprender una obra de arte está contenida en la obra de arte.

El contexto de la obra, con indicación del motivo de su creación, el fondo histórico, y la vida del artista, se considera de importancia secundaria. El formalismo es un enfoque para entender el arte...

Formalismo. Un término que se utiliza en el debate de las artes para describir un enfoque (en nombre del creador o crítico) en el que las cualidades formales de una obra, como la línea, forma y color-se consideran como auto-suficiente para su reconocimiento, y todas las demás consideraciones, como la representación, éticos, sociales o aspectos son tratados como secundaria o redundante. La idea de que las cualidades formales pueden tener un significado o resonancia con independencia de la función representativa es esencial para el desarrollo del arte abstracto, y varios escritores notables en el arte en el siglo 20 eran básicamente formalista en perspectiva, incluyendo Clive Bell, Roger Fry, y Clement Greenberg. Muchos otros autores han sido fuertemente opuesto a sus ideas, creyendo que la forma y "contenido" son en gran medida interdependientes.

IMPRESIONISMO

El impresionismo fue un movimiento artístico del siglo 19 que comenzó como una asociación informal de artistas con sede en París, cuyo exposiciones independientes los llevó a la fama en la década de 1870 y 1880. El nombre del movimiento se deriva del título de una obra de Claude Monet, Impresión, sol naciente (Impression, soleil levant), lo que provocó el crítico Louis Leroy a acuñar el término en un comentario satírico publicado en Le Charivari..

Los pintores impresionistas principales fueron Claude Monet, Pierre Auguste Renoir, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Berthe Morisot, Guillaumin Armand, Frédéric Bazille y, que trabajaron juntos, influenciado entre sí y exponen juntos. Edgar Degas y Paul Cézanne pintó también en un estilo impresionista por un tiempo en la década de 1870. El pintor Édouard Manet estableció, cuya labor en la década de 1860 una gran influencia de Monet y otros miembros del grupo, se adoptó el enfoque impresionista sobre 1873..

Estos artistas se mostró insatisfecho al principio de sus carreras con énfasis en la enseñanza académica en que representa un tema histórico o mitológico con connotaciones literarias o anecdótica. También rechazaron el imaginativo convencional o idealizar tratamientos de la pintura académica. A fines de 1860, el arte de Manet refleja una nueva estética, que iba a ser una fuerza orientadora en impresionista con el trabajo en el que la importancia del tema tradicional fue degradada y la atención se desplazó a la manipulación de la artista de color, tono y textura fines en sí mismos. En la pintura de Manet el tema se convirtió en un vehículo para la composición artística de las áreas de color plano y la profundidad de perspectiva se redujo al mínimo para que el espectador se vería en los patrones de la superficie y las relaciones de la imagen en lugar de en el espacio ilusorio tridimensional creado. Por la misma época, Monet fue influenciado por los pintores innovadores Eugene Boudin y Johan Barthold Jongkind, que representa los efectos fugaces de mar y el cielo por medio de intensa coloración y textura variada métodos de aplicación de la pintura. Los impresionistas también adoptó la práctica de Boudin de la pintura por completo fuera de las puertas mientras observa la escena real, en lugar de terminar una pintura a partir de bocetos en el estudio, al igual que la práctica convencional..

INFORMALISMO

Después de la Segunda Guerra Mundial informalismo algunos pintores contempla la abstracción geométrica en forma de carga y el intelectualismo frío, fuera de contacto con la realidad de la pobreza y la desesperación. La espontaneidad y la autenticidad son más significativas para la nueva generación de artistas. De esta reacción nace un estilo de pintura abstracta que totalmente nueva fue el resultado de un compromiso emocional y físico del artista. El término fue acuñado para clasificar la obra de Jean Dubuffet, Willem de Kooning, Fautier Jean y Alberto Burri. .

El informalistas no estaban interesados en tener un control total sobre los procesos de trabajo artístico, sino para hacer hincapié en la espontaneidad, la irracionalidad y la libertad de la forma. Buscaron herramientas rebelde y pinturas, capaz de producir cosas accidentales e inesperados. El objetivo de escapar de la prisión del arte tradicional.

POP ART

Pop Art es un movimiento de arte del siglo 20 que utiliza las imágenes y las técnicas del consumismo y la cultura popular. El arte pop desarrollada en los años late1950 como una reacción contra el expresionismo abstracto y floreció en los años sesenta y primeros setenta. Pop Art favorecida imaginería figurativa y la reproducción de objetos cotidianos, como latas de sopa Campbell, cómics y anuncios. El movimiento eliminó las distinciones entre "buenos" y "mal" gusto y entre las bellas artes y técnicas comerciales de arte..

REALISMO

Realismo (1850-1880) La segunda mitad del siglo 19 que se ha denominado la era positivista. Fue una época de fe en todos los conocimientos que se derivan de la ciencia y los métodos científicos objetivos que podría resolver todos los problemas humanos..

En las artes visuales de este espíritu es más evidente en el rechazo generalizado del subjetivismo romántico y la imaginación en favor del realismo - la exacta y objetiva al parecer la descripción del mundo ordinario, observable, un cambio especialmente evidente en la pintura. el pensamiento positivista es evidente en toda la gama de creaciones artísticas a partir de 1850 - de la introducción de elementos realistas en el arte académico, desde el énfasis en el fenómeno de la luz, al desarrollo de la fotografía y la aplicación de las nuevas tecnologías en la arquitectura y construcciones...

El realismo como meta no imita los últimos logros artísticos, sino la representación verdadera y exacta de los modelos que ofrecen la naturaleza y la vida contemporánea al artista. La artificialidad de ambos el Clasicismo y el Romanticismo en el arte académico fue rechazada por unanimidad, y la necesidad de introducir el arte contemporáneo a un fuerte apoyo. Nueva idea era que la gente común y las actividades cotidianas son temas dignos para el arte. Artistas - Realistas intentado retratar la vida, las apariencias, los problemas, las costumbres y las costumbres de la clase media y baja, del carácter común, lo ordinario, los humildes, y los adornos. Allí se establece a conciencia para reproducir todos los hasta ese momento ignorado los aspectos de la vida contemporánea y la sociedad - su actitud mental, los entornos físicos, y las condiciones materiales. Realismo en Francia aparece después de la Revolución de 1848. En Francia expresa un gusto por la democracia. Al mismo tiempo, en los artistas Inglaterra - Los realistas se presentó ante el público con la reacción contra el materialismo victoriana y las convenciones de la Royal Academy de Londres. A pesar de sus inclinaciones sociales realismo no se produce ningún nuevo estilo en la arquitectura y sculptures.It algunas valiosas era el momento de la introducción de nuevas tecnologías en las construcciones. La construcción modular y revolucionaria más grande se extiende en el esqueleto estructural, que luego podrían ser producidos en masa - utilizado en salas de exposiciones, estaciones de ferrocarril, el uso de hierro fundido como material de construcción y la invención de cable trenzado de alambre que se extendía vanos principales de puentes en Europa y los Estados Unidos. Menos positiva actitud hacia el progreso tecnológico puede ser visto en los primeros intentos de incorporar a la arquitectura de hierro estructural adecuado. Reconocemos un realismo pocas escuelas de la pintura

SURREALISMO

Surrealismo: (1924 - 1955) Un movimiento literario y de arte inspirada por el freudismo, el surrealismo André Bretón fundó en París en 1924. Breton fue autor del Manifiesto (Manifeste du surrealismo), que abogaba por la expresión de la imaginación revela en los sueños. Más tarde escribió otros dos manifiestos, publicado en 1930 y 1934. El surrealismo fue el sucesor del movimiento dadaísta y atrajo a muchos artistas dadaístas. Otros orígenes surrealistas vino de pintores como Paolo Uccello, William Blake, y Odilon Redon. Sus orígenes en la literatura se remonta a los poetas franceses Baudelaire, Rimbaud y Apollinaire y el aspecto literario del movimiento se mantuvo principalmente en Francia. En el campo visual, el surrealismo se hizo popular en los años 1920's y 30's con la ayuda de internacionalmente renombrado pintor, Salvador Dalí..

También similar al siglo 19 el movimiento simbolista, el surrealismo se basa en las teorías psicoanalíticas de Sigmund Freud y Carl Jung, haciendo hincapié en la imaginación y la imaginería inconsciente. El trabajo generalmente contiene imágenes realistas dispuestas en un estilo sin sentido con el fin de crear un estado de ensueño. pintura surrealista incorpora una gran cantidad de contenido y la técnica. Surrealismo incorporados y celebra el arte de los niños y el arte primitivo. Se aprecia el ojo inocente en que el artista no entrenados fue más liberado para representar sus ideas imaginativas real .

Artistas utilizado técnicas espontánea basada en la "libre asociación" concepto, también llamado automatismo, en el que fue entregado el control consciente de la mente inconsciente. . El movimiento surrealista se puede dividir en dos grupos de diferentes métodos expresivos, Automatismo o "absoluta" el surrealismo y el surrealismo verista. Mientras automatismo se centró en expresar ideas subconsciente, surrealistas verista quería representar una conexión entre las formas abstractas y material real. En otras palabras, Verists transforma objetos del mundo real en sus pinturas, mientras que sus imágenes automatistas derivados exclusivamente del pensamiento espontáneo. .

surrealismo allanó el camino para los movimientos posteriores, como el expresionismo abstracto y el realismo mágico. El surrealismo ofrece una alternativa a la abstracción geométrica se ha mantenido vigente el contenido expresivo en el siglo 20.